El Castillo de Arena (The Sand Castle)

Sinopsis: Una familia se encuentra varada en una diminuta isla en medio del océano e intenta sobrevivir a la vez que buscan ayuda con un defectuoso radio transmisor.

Reseña: Desde ya vale advertir que El Castillo de Arena (una producción libanesa disponible en Netflix) no es una película fácil pues hace uso de abundantes simbolismos, una narrativa difusa y se niega a darnos explicaciones sobre la mayoría de los sucesos que vemos (aunque no sostiene esto en el final). En lo personal suelen gustarme mucho las cintas que van más por el lado de lo abstracto o que no buscan relatar de forma lineal y pre-digerida sino que retan al espectador a "llenar" esos aparentes vacíos o a entender la historia de formas menos convencionales. Aún así hay que aceptar que El Castillo de Arena por momentos puede ser realmente frustrante y no logra compensar su desbordada ambición. Pero en líneas generales terminé disfrutándola y creo que merece verse ya que sus aciertos superan sus fallas.
El guion de Matty Brown (también director), Hend Fakhroo y Yassmina Karajah introduce a los personajes en la situación antes descrita sin decirnos demasiado. No sabemos como llegaron a la isla o por que razón. Tampoco si tienen todo bajo control. Y poco a poco también vamos entendiendo las diversas dinámicas entre los integrantes de la familia, aflorando viejos rencores y como también distintas complicidades. Me pareció una acertada decisión ya que logra incrementar el suspenso y compenetrarnos más con la historia. La tensión e incertidumbre es constante ya que no sabemos si hay una amenaza al acecho de los protagonistas o si esta puede provenir de uno de ellos. Pero creo que el problema esta en el segundo acto. Una vez ya establecidos los personajes y su realidad la cinta divaga por largos ratos de nada. Como dije no me molesta que los realizadores busquen que nosotros interpretemos lo que vemos a nuestra manera pero es difícil disfrutar el proceso cuando no parece que haya mucho que interpretar. Son momentos donde El Castillo de Arena se vuelve algo pretenciosa y tediosa. Aunque esto se corrige bastante en el tercer acto cuando las cosas empiezan a "moverse", la angustia crece con eventos irreversibles y situaciones inexplicables e irracionales. Aunque debo decir que la "dedicatoria" final arruina un poco el misterio y si bien entiendo su punto totalmente valido creo que hubiese sido mucho más contundente dejar al público sacar sus conclusiones.
En cuanto a los aspectos técnicos me gustó la dirección de Matty Brown, con ágil manejo de cámara, montaje como también ayudado por la bella cinematografía a cargo de Jeremy Snell y el eficiente diseño de producción de Lionel Soria al servicio de expresar las emociones  y pensamientos de los protagonistas orquestando complejas y detalladas secuencias que podrían o no ser reales. Hablando del elenco, los adultos Nadine Labaki y Ziad Bakri, como los padres Yasmine y Nabil, logran buenas interpretaciones pero creo que los que lucen más son los niños Riman Al Rafeea y Zaiin Al Rafeea como Jana y Adam, respectivamente. A medida que la historia avanza se centra en ellos y sus actuaciones son conmovedoramente notables. Pero en general todos hacen un gran trabajo para trasmitirnos su compleja dinámica que en algunos pasajes me recordó a la que tenían los personajes de The Witch de Robert Eggers (lo cual es un enorme cumplido)
El Castillo de Arena logra ser un decente thriller, con buen manejo del suspenso y el drama (además de su relevancia social) aunque termine siendo mucho más simple de lo que aparenta. Aún así merece una recomendación con la advertencia de que habrá que tenerle paciencia en algunas partes. Es preferible una película imperfecta por intentar innovar no yendo  "a lo seguro" que una haciendo lo mismo de siempre de forma competente aunque sin alma. El Castillo de Arena cuenta una historia emotiva de una forma atípica, y si bien por momentos puede parecer un truco para simular complejidad donde no la hay a fin de cuentas valoro el ejercicio que nos propone hacer (tanto mental como emocional)
Calificación: 7

Compañera Perfecta (Companion)

Sinopsis: Iris (Sophie Tatcher) y su novio Josh (Jack Quaid) se disponen a pasar un fin de semana con los amigos de este ultimo en una cabaña alejada de todo... a pesar de que Iris siente que, por alguna razón, no les cae bien.

Reseña: El trailer lo revela (y también nos enteramos de esto al poco tiempo de empezada la película) así que no ocultaré que Iris es en realidad un robot avanzado que compró Josh tiempo atrás diseñado para ser la "pareja ideal", es decir, para complacerlo en todo lo que necesite (apoyo emocional, encuentros sexuales e incluso darle él pronostico climático del día) no negarle nada y que el pueda manejarla a su antojo. Pero esto Iris no lo sabe ya que su programación se basa en una simulación totalmente humana con emociones, recuerdos y personalidad para hacer más realista su relación con el cliente en cuestión. Hasta que sucede un hecho trágico en la mansión en la que se hospeda el grupo de jóvenes, se le revela la verdad a Iris, y bueno... las cosas se complican.

Evité toda información posible sobre Compañera Perfecta antes de entrar a verla así que no sabia que esperar. Para cuando vi el rumbo que tomó la película me sentí algo decepcionado. Esperaba algo mas original o de otro estilo. El tema de la inteligencia artificial y las formas de simulación humana se ha tocado demasiadas veces en el cine (en las clásicas 2001: A Space Oddissey y Blade Runner por ejemplo) y en los últimos años se ha hecho muy frecuente, a veces con sobresalientes resultados (como en Ex-Machina, Morgan y A.I. Rising con las cuales Compañera Perfecta comparte atributos, defectos y temas en común) y otras veces el resultado ha sido un bodrio (como la reciente Subservience). Tal vez por eso el director/escritor Drew Hancock (en un auspiciante debut) no se preocupó tanto por innovar mucho en el terreno filosófico-reflexivo o de pulir los elementos de ciencia ficción de la trama (los cuales son bastante mediocres) sino que se orientó a escribir un eficiente e impredecible thriller con suficiente humor negro e ingenio que resulta en una experiencia muy entretenida y por momentos impactante aunque deja una sensación de que pudo llegar mucho más lejos en varias áreas.

Desde el principio se sugieren planteamientos muy interesantes sobre todo por el contexto actual en el que vivimos donde la tecnología cada día esta más orientada a reemplazarnos en tantas tareas incluyendo nuestra función como parejas sentimentales/sexuales: ¿Qué sentido tiene relacionarnos con personas cuando una maquina puede hacerlo mejor? ¿Pasaremos a ser totalmente descartables en algún momento? ¿Cómo puede alterar nuestra psiquis una pareja absolutamente manejable y obediente?¿o en que estado esta para que lleguemos a tener esa preferencia?. Son preguntas fascinantes que Compañera Perfecta las pone sobre la mesa (lo cual admiro) pero no responde de una manera totalmente satisfactoria u original. Aún así dan forma e identidad a la cinta la cual a pesar de mis quejas y de mi parcial decepción me dejó satisfecho.

Como dije antes, el guion de Hancock combina eficientemente el suspenso y la comedia además de desarrollarse de manera dinámica con unos cuantos giros inesperados totalmente coherentes con el carácter de los protagonistas. También están presentes agujeros narrativos y forzados deus-ex machina inevitables en un historia con poco interés en el aspecto Sci-fi. Los personajes, a medida que la cinta avanza, adquieren profundidad y vamos conociendo tanto sus virtudes como sus vicios. El elenco entero ofrece actuaciones naturales y creíbles para sus respectivos roles pero definitivamente la revelación (aunque ya ha demostrado en otros proyectos tener mucho talento) es Sophie Tatcher como la robot Iris. Su trabajo me pareció perfecto expresando la angustia y confusión (y por momentos también el humor) de su situación como también su crecimiento hacia revelarse contra su propia programación y su "pareja".

Resumiendo, Compañera Perfecta parte de una premisa algo gastada y siento que debió compensarlo llegando más lejos tanto en el aspecto intelectual como en el visceral, pero eso no quita que sea una experiencia muy entretenida, intensa y satisfactoria. Tal vez no haya que tomarla muy enserio para disfrutarla al máximo sino considerarla como una sátira de la sociedad cada vez más distanciada entre si prefiriendo relacionarse con aparatos (aunque creo que Futurama lo hizo mejor en su clásico episodio I Dated a Robot) Tan solo por plantear esas ideas como también hacerlo con ingenio y buenas actuaciones puedo recomendar con confianza Compañera Perfecta. No revoluciona el género fantástico pero tampoco lo humilla (disculpen fans de Megan Fox).

Calificación: 8

Cónclave (Conclave)

Sinopsis: Luego de que el Papa fallece de un ataque cardiaco los cardenales de la iglesia se reúnen en el Vaticano para elegir a su sucesor.

Reseña: En algún sitio leí que se referían a Cónclave (a modo de broma) como House of Cards en sotanas. Y si bien nunca pasé del segundo episodio de aquella exitosa serie de Netflix entendí la referencia y creo que es bastante apropiada. Cónclave es un fenomenal thriller político lleno de suspenso, drama e intriga pero que no ocurre en un parlamento o casa de gobierno de algún país sino en el mismísimo Vaticano. 

Si bien el tema no me atraía y no soy especialista (aparentemente la película es muy apegada al proceso electivo real de un nuevo líder de la iglesia católica) debo decir que el excelente guion de Peter Straughan (basado en una novela de Robert Harris) se encarga de atraparnos desde el inicio, estableciendo con dinamismo y eficiencia tanto la situación contextual como también el carácter de los personajes y las relaciones entre ellos. El protagonista es el cardenal Thomas Lawrence (Ralph Fiennes) director del colegio cardenalicio y encargado de presidir la elección. Me gustó mucho la construcción de su personaje con fuertes cuestionamientos internos en lo que respecta a su fe en la Iglesia. Thomas (al igual que el difunto Papa con quien tenia una afectuosa amistad) es de la corriente liberal y tiene interés en que uno de los candidatos al máximo cargo, Aldo Bellini (Stanley Tucci) de los Estados Unidos, sea quien gane. Entre los otros principales disputantes están el canadiense Joseph Tremblay (John Lithgow) un conservador clásico a quien, aparentemente, el Papa exigió su dimisión antes de morir por alguna razón, el nigeriano Joshua Adayemi (Lucian Msamati) un conservador más duro que recibe menos criticas por su raza, y el italiano Gofredo Tedesco (Sergio Castellitto) tradicionalista reaccionario y la principal preocupación de Lawrence y la fracción liberal.

El desarrollo de Cónclave es preciso y enérgico, sin necesidad de elevar el tono, la intensidad o de adornos estilísticos. La cinta se propone varias cosas y en todas funciona muy bien. Como drama, las motivaciones del protagonista Lawrence son emotivas pues se trata de un hombre sumamente espiritual y recto decepcionado con su entorno y dispuesto a hacer lo correcto aunque tenga a todos en contra, sin ningún vicio o interés personal. Como thriller político es excelente pues no hay que esperar las acostumbradas escenas de amenazas, violencia física y demás trucos para demostrar que "las cosas van en serio". Por el contrario, Cónclave se basa en personas, con más o menos ambición, dentro del terreno civilizado del debate y defensa de ideales y modelos para guiar a millones de fieles. Por ultimo, creo que todo esto también se traslada a un preciso análisis sociológico pues las corrientes ideológicas que representan los candidatos al puesto de Papa son las mismas que mueven a militantes partidarios en todo el mundo como también a integrantes de la política tradicional (desde los liberales/progresistas hasta los conservadores extremistas en auge) y tanto las discusiones entre los cardenales como sus conclusiones son muy relevantes para el contexto mundial de este momento. En cuanto a la "polémica" revelación del final no tengo quejas. Me pareció impactante y totalmente valida para cerrar el arco narrativo del protagonista (una especie de prueba final).

Es mejor dejar que el espectador disfrute el espectacular desarrollo de la trama y sus impredecibles caminos dando los menores detalles posibles. En cuanto a los aspectos técnicos la dirección de Edwarg Berger me pareció modesta, quizás demasiado por momentos (desde el aspecto visual) como que sentí necesario un poco más de "estilo", pero aún así apropiada para contar la historia de manera sobria y realista. Lo mismo la música de Volker Bertelmann, acompañando sin llamar la atención sobre si misma. Desde luego, los que más brillan son los integrantes del elenco, algunos famosos y otros no tanto, todos totalmente a la altura del proyecto. Sin dudas Ralph Finnes, que ya nos tiene acostumbrados a sus perfectas interpretaciones transmitiendo mucho con poco, merece todos los aplausos pero hay que destacar también a Stanley Tucci, John Lithgow, Lucian Msamati, Sergio Castellitto como los contendientes, la gran Isabella Rossellini como la hermana Agnes, con suficiente autoridad para hacerse escuchar cuando muchas prefieren callar, y Carlos Diehz (en un impresionante debut como actor) como el cardenal Benitez, quien fue designado en secreto y cuya llegada a la elección nadie se esperaba.

En resumen, Cónclave es una de las mejores películas del 2024 que entretiene a la vez que ofrece suficiente material para reflexionar sobre el rumbo que tiene la humanidad, como debemos afrontar peligrosos flagelos que parece llegaron para quedarse y el rol de la Iglesia en el funcionamiento de la sociedad. Siempre busco que una película emocione y a la vez transmita ideas interesantes y por suerte este es el caso. La recomiendo con confianza para los que busquen thrillers cocinados a fuego lento, con paciencia serán recompensados con una poderosa trama y, desde luego, geniales actuaciones.

Calificación: 9.5

Hombre Lobo (Wolf Man)

Sinopsis: Luego de recibir el certificado de defunción de su padre y las llaves de su casa en las montañas, Blake (Christopher Abbott) decide pasar allí el fin de semana junto a su esposa Charlotte (Julia Garner) y su hija Ginger (Matilda Firth) para recomponer su relación sin imaginarse la amenaza que acecha en la zona.

Reseña: Entre los monstruos clásicos de la literatura de horror creo que el hombre lobo es de los que menos me entusiasman (prefiero los vampiros pero no los de Twilight) por esa razón no siento particular afecto por la mayoría de sus adaptaciones al cine (como la original The Wolf Man de 1941 ni su remake del 2010). Sin embargo ha habido contadas ocasiones en las que se encontró un ángulo fresco e innovador al mítico personaje resultando en excelentes muestras del género (mis favoritas son la joya de culto Ginger Snaps y la clásica An American Werewolf in London). 

Eso es lo que esperaba de la nueva Hombre Lobo sobre todo por el talento detrás de las cámaras. Leigh Whannell ya se hizo un nombre como uno de los realizadores cinematográficos más interesantes dentro del género fantástico en los últimos 20 años. Como guionista/productor fue uno de los creadores de dos franquicias de terror muy exitosas: Saw e Insidious. Pero para mí sus mejores trabajos son los que, además de escribir, se encargó de dirigir: el brillante thriller de ciencia ficción Upgrade y la excelente The Invisible Man (que también adaptó a un personaje clásico de una manera novedosa y original). 

Pero lamentablemente esto no ocurrió con Hombre Lobo que lo vuelve a encontrar como director y guionista (junto con su esposa Corbett Tuck) aunque el principio es auspicioso por sus intentos de buscar más profundidad o textura en la ya conocida y simple historia. El prologo de la cinta muestra a grandes rasgos la infancia de Blake y como fue su relación con su severo padre solo interesado en volverlo fuerte para enfrentar los peligros del mundo... como una extraña criatura de la se rumorea que habitaba en los al rededores. 30 años después vemos a Blake casado y con una hija con quien es mucho más afectuoso de lo que su padre fue con él (tal vez por estar desempleado y tener tiempo para ella). Su mujer Charlotte, excesivamente ocupada con su trabajo de periodista, tiene una relación muy distante con ambos y eso la preocupa. Y deciden hacer el viaje. Así como The Invisible Man usó astutamente el concepto clásico para incluir temas relevantes socialmente en la actualidad (como las relaciones toxicas, la violencia psicológica -y sus secuelas- y la opresión a las mujeres) esperaba que las cuestiones que se tocan al principio de Hombre Lobo (como la crianza autoritaria de los hijos, las repercusiones emocionales en estos cuando crecen, la presión de ser padre/madre con un trabajo demandante) y las relaciones intrafamiliares bien construidas también se amoldaran de forma ingeniosa al concepto del licántropo. Lamentablemente esto no ocurre y cuando aparece la criatura en cuestión todo esto pasa a segundo plano para dar lugar a un desarrollo plano y predecible, con algunos buenos momentos de suspenso e ingeniosas imágenes (como las visiones de un personaje cuando comienza su "transformación"), pero nada realmente memorable.

Es una pena porque la hábil dirección de Whannell sigue presente incrementando la tensión y la angustia con sutiles movimientos de cámara y precisos encuadres que nos hacen dudar todo el tiempo de lo que vemos como también cuando y donde aparecerá la amenaza. En cuanto al elenco su desempeño me pareció muy apropiado. Christopher Abbott como el esposo y padre amoroso que debe luchar contra sus propios instintos (en más de un sentido) es totalmente creíble y por momentos conmovedor, Julia Garner como su esposa Charlotte resulta excelente tanto en los momentos dramáticos como en los de mayor tensión y la niña Matilda Firth como su hija Ginger (¿será una referencia a mi película favorita sobre hombres/mujeres lobos?) logra hacer palpable la profunda conexión con su padre. 

En cuanto al diseño y transformación de la criatura... meh. Nada innovador o provocativo. Y creo que esa descripción engloba la experiencia total de Hombre Lobo. La primera mitad me gustó mucho por sugerir algo profundo y emocional pero lamentablemente la segunda parte resulta en algo simple y cansado. Aún así tengo que darle una tibia recomendación por su dirección, actuaciones y algunos momentos apropiadamente perturbadores e impactantes. Creo que Whannell puede lograr mucho más. El tiempo dirá si vuelve a sorprendernos con algo tan desafiante y original como lo que demostró en el pasado o si se dedica a ser un director/guionista a sueldo de proyectos que no lo entusiasmen demasiado.

Calificación: 7

Blindado: Sin Salida (Armor)

 

Sinopsis: James (Jason Patrick), un ex-policía que ahora trabaja como conductor y guardia de seguridad en una empresa de transporte junto con su hijo Casey (Josh Wiggins), haciendo un envio se cruza con una peligrosa y entrenada banda criminal liderada por Rook (Sylvester Stallone)

Reseña: No quiero perder mucho tiempo escribiendo sobre Blindado: Sin Salida pues ya perdí noventa minutos de mi vida viéndola. Basta decir que el guión escrito por Cory Todd Hughes y Adrian Speckert es simplemente una recopilación de los clichés más rancios del cine de acción de los últimos 40 años: el protagonista es un ex-policia alcohólico que no supera una tragedia del pasado y los integrantes de la banda que los asalta son totalmente unidimensionales y reconocidos solo por sus típicos roles: el irracional e iracundo, el calculador, el compasivo y la "carne de cañón" que son los primeros en caer. 
El desarrollo de la historia es totalmente predecible y aún así tedioso por su simpleza y horribles inconsistencias. Los estúpidos errores que cometen tanto los delincuentes como la empresa para la que trabajan los protagonistas solo tienen lugar para que la película dure más de 30 minutos. En cuanto al aspecto dramático tampoco hay nada original. Desde el principio vemos que James a pesar de su alcoholismo y cerrarse emocionalmente es alguien recto y responsable en su trabajo (quizás más que uno de sus contratantes en el envio que interesa a los delincuentes por alguna razón). Su hijo Casey con quien trabaja intenta mejorar la relación con su padre y que él se relacione más con su esposa que espera un hijo. A medida que avanza Blindado: Sin Salida su dinámica se vuelve lo más interesante de la película por merito de los interpretes y no por el guion que además hace uso de pésimos y risibles diálogos y forzado sentimentalismo. Empeorando la situación la mediocre dirección de Justin Routt, totalmente carente de estilo o dinamismo, no logra el más mínimo interés ni generar tensión o emoción. 
Entre las pocas cosas positivas mencionaría la actuación de Jason Patrick en el papel protagónico. Totalmente creíble tanto en los momentos dramáticos como en los de acción. Patrick resulta un muy buen actor que logra elevar el mediocre material con el que cuenta. Josh Wiggins como su hijo Casey quizás tiene un personaje menos complejo pero el actor logra emociones convincentes y buena química con Patrick llegando a los mejores momentos de la película. En cuanto a la banda criminal nadie destaca porque sus personajes son totalmente caricaturescos. Lo que nos lleva a Sylvester Stallone en una de las actuaciones más desganadas de su carrera (lo cual es decir mucho). No hay actuación. Simplemente se trata de Stallone recitando sus líneas con absoluta falta de convicción y energía.

Tal vez Blindado: Sin Salida no fue tan terrible como la critica y el público dicen pero aún así sigue siendo una barata B-movie totalmente mediocre en todos sus aspectos por lo que no encuentro razones para recomendar verla y mucho menos en el cine. Quizás esperar para cuando llegue al streaming o la televisión y verla un domingo por la tarde si no hay nada más que ver. O si son fans de Stallone y desean verlo en cualquier porquería que haga (ya sea por admiración o por morbo) pero en su lugar recomendaría ver de nuevo uno de sus clásicos que lo volvieron un icono mundial del cine como Rocky, First Blood... hasta sus secuelas más ridículas como Rocky V y Rambo III ofrecen más diversión que esta insulsa y totalmente olvidable cinta.

Calificación: 5

Un Dolor Real (A Real Pain)

Sinopsis: Benji (Kieran Culkin) y David (Jesse Eisenberg), dos primos judíos, deciden viajar a Polonia luego del fallecimiento de su abuela para hacer un tour sobre el holocausto y de paso conocer el antiguo hogar de ella.

Reseña: La previa película dirigida por Jesse Eisenberg (When You Finish Saving the World) me pareció una comedia dramática por momentos ingeniosa pero algo pretenciosa y con personajes antipáticos. Un Dolor Real por el contrario se siente honesta y cálida, con una engañosamente simple trama que se toma su tiempo para que vayamos descubriendo las personalidades de los protagonistas, su dinámica y sus formas de ver el mundo. A la vez su interacción con el guía del tour y el resto del grupo sirve para plantear interesantes ideas sobre diversos temas. 

Pero el eje central de Un Dolor Real es la relación de los primos con maneras de ser muy diferentes aunque con obvio afecto mutuo. El personaje Benji desde luego es más profundo e interesante, tanto por su sensibilidad honesta como por su manera de afrontar la perdida de su abuela quien era alguien muy importante para él. David muestra mucha preocupación por el estado emocional de su primo y poco a poco vamos enterándonos de otros sucesos que lo explican. Me gustó que Eisenberg (como director) no recurriera a forzado sentimentalismo ni necesitara elevar el drama para "llegarnos". No hay escenas de discusiones a gritos ni llantos descontrolados. Solo acompañamos a los personajes en su viaje y su interesante vinculo a la vez que el contexto (un recorrido guiado sobre el Holocausto) nos invita a la reflexión no solo sobre el conocido genocidio sino sobre otros asuntos relacionados con el comportamiento humano y la sociedad contemporánea. También hay lugar para el humor, no del incluido a la fuerza sino del que surge naturalmente de las personalidades de los individuos y sus interacciones (como los arrebatos sin filtro de Benji diciendo lo que piensa sin pensar en los sentimientos de los demás y la incomodidad de David quien es todo lo opuesto)

Desde luego Kieran Culkin es el que más destaca en su papel del frontal y emocional Benji pero creo que es justo también reconocer a Jesse Eisenberg como el más pasivo y calculador David. Ambos logran sin dificultad convencernos de su afectuosa relación como también de viejos resentimientos que pueden aflorar en cualquier momento. El resto del elenco que interpreta a los demás miembros del grupo y su guía esta integrado por Will Sharpe, Jennifer Grey, Kurt Egyiawan, Lisa Sadovy y Daniel Oreskes. Todos ofrecen buenas actuaciones para sus poco desarrollados personajes con diferentes y particulares relaciones con la cultura judía. El que más interesante me pareció fue el guía James, británico muy aficionado a la historia del judaísmo sin ser practicante, sobre todo por su crecimiento a partir de algunos cuestionamientos de Benji.

En cuanto a los aspectos técnicos, la dirección, edición y fotografía son sutiles sin necesidad de excesos estilísticos. La musicalización, compuesta casi en su totalidad por piezas del clásico compositor polaco Frédéric Chopin complementa perfectamente las escenas.

Si tuviese alguna queja es que una vez finalizada la película terminé sintiendo la experiencia algo simple. Como que se podría haber llegado más lejos en varios aspectos, desde el drama de los personajes o el análisis sociológico. En su forma final Un Dolor Real es una amable comedia dramática que entretiene, emociona y nos invita a reflexionar por lo que puedo recomendarla con confianza como un paso en la dirección correcta del Jesse Eisenberg cineasta. Tal vez aún no sale de la "zona de confort" pero al menos lo hace con honestidad y pasión.

Calificación: 8

Emilia Pérez

Sinopsis: La abogada Rita es contratada por el peligroso jefe de un cartel mexicano para que lo ayude a desaparecer del mundo criminal y empezar una nueva vida.

Reseña: Reconozco que no soy devoto de los musicales. Me han gustado algunos (como la reciente Wicked)  pero la mayoría de las veces me frustran o me cuesta disfrutarlos por dos razones. La primera es que los números musicales rara vez se introducen apropiadamente y se vuelven un fin por si mismo interrumpiendo el desarrollo y ritmo de la historia en vez de funcionar a favor de ella. La segunda razón es que las canciones no me gustan. Creo que principalmente deberían ser pegadizas como también memorables y no mediocres pistas para que los actores reciten sus líneas con esbozos de una melodía insulsa. En este grupo de musicales que no me gustaron podría mencionar Sweeney Todd de Tim Burton, Les Misérables de Tom Hooper...y Emilia Pérez de Jacques Audiard.

Nobleza obliga, no creo que Emilia Pérez sea una película terrible (tampoco es buena), la historia, los temas que toca y las actuaciones tenían mucho potencial y algo de este logra explotarse, pero creo que la idea de expresar todo esto por medio de un musical no fue la apropiada. Entiendo que los gustos musicales son un tema altamente subjetivo por lo cual lo que a mi me terminó desagradando a gran parte del publico podría fascinarle y seria totalmente respetable. Tampoco ayuda que tanto los diálogos como las letras de las canciones den risa cuando pretenden ser emotivos y hagan rechinar los dientes cuando intentan ser graciosos.

Pero volviendo a los aspectos que tenían potencial: la historia que cuenta Emilia Pérez toca temas delicados como la identidad de genero, la corrupción gubernamental en Mexico y la violencia ejercida por el narcotráfico. Y si bien considero validas tanto sus vindicaciones como sus denuncias los modos son tan superficiales y torpes que termina pareciendo una simple explotación del sufrimiento de otros en aras del éxito critico y comercial. 

Al menos se ocupa de construir de forma compleja a sus personajes empezando por el líder criminal Manitas que busca escapar de su realidad y empezar de nuevo... y de paso ser la mujer que siempre quiso ser. Karla Sofia Gascon ofrece una interpretación solida, totalmente creíble en sus momentos de vulnerabilidad y en los de férrea amenaza. Pero el personaje que mas interesante me pareció fue Rita, interpretado por Zoe Saldana, ya que posee una gama mas amplia de emociones y cuestionamientos internos. Además Saldana ofrece la mejor actuación de la película, brillando tanto en los momentos dramáticos como en los musicales (haciéndolos mas tolerables). Finalmente, Selena Gomez ofrece una actuación horrible, quizás potenciada por sus problemas con el idioma español, y su personaje de "esposa trofeo" de Manitas plano e inocuo no la ayuda mucho.

Como dije al principio los musicales no son lo mío y es muy probable que no haya entendido el "encanto" de Emilia Pérez por lo que no tengo mucho mas que decir sobre ella. Y si bien no me gustó tiene cosas rescatables: las actuaciones de Gascon y Saldana además de la química que comparten juntas, su retrato de las injusticias que ocurren en Mexico y su mensaje positivo hacia las diversidades sexuales. Solo me hubiese gustado que se hiciera con mas honestidad, menos oportunismo...y sin cantar.

Calificación: 6

De Vuelta a la Acción (Back in Action)

 

Sinopsis: 14 años atrás Matt (Jamie Foxx) y Emily (Cameron Diaz), dos ex-agentes secretos de la CIA, aprovecharon su aparente muerte luego de una misión para desaparecer y formar una familia. En el presente y con dos hijos (McKenna Roberts y Rylan Jackson) protagonizan un altercado que se vuelve viral y son localizados por antiguos enemigos con el fin de conseguir una poderosa arma que creen esta en su poder.

Reseña: El primer bodrio del 2025 llegó pronto.

Mis expectativas con De Vuelta a la Acción (producción de Netflix ya disponible en su plataforma) eran realmente bajas y aun así terminé decepcionado. Supuse que con un guion escrito por Brendan O'Brien, co-escritor de "comedias" como Neighbors, Neighbors 2: Sorority Rising y Mike and Dave Need Wedding Days no podía esperar mucho. Pero el co-escritor y director Seth Gordon participó en algunas producciones de mas calidad (dirigiendo la ingeniosa Horrible Bosses y episodios de excelentes sitcoms como The Office y Community) asi que quizás podía mejorar el débil material. Nada de eso pasa. La trama de De Vuelta a la Acción es totalmente absurda y sin una pizca de originalidad o ingenio. Como comedia de acción falla miserablemente en ambos aspectos. El humor es blando y predecible con las típicas discusiones entre padres e hijos, personajes totalmente planos, aburridos e irritantes sin nada que los distinga. En cuanto a la acción, las persecuciones y las peleas están filmadas con total carencia de emoción y destreza, intentando ser graciosas por estar musicalizadas con canciones inapropiadas contextualmente. Creo que deberían haber aprovechado, ya que el contenido humorístico es tan pobre, al menos sobresalir con escenas mas intensas y violentas que compensaran y redujeran el tedio. Pero desde luego ese no es el punto de los realizadores que no tienen el talento para eso y en su lugar buscaron hacer una blanda y amable película semi-familiar esperando que el carisma de los protagonistas alcanzara para dejar satisfecho al publico.

Jamie Foxx y Cameron Diaz (volviendo a actuar después de mas de una década) han probado en el pasado ser excelentes actores con gran talento para el drama y la comedia pero en esta ocasión no pueden hacer nada con sus débiles roles y una producción en su totalidad mediocre e insulsa. Lo mismo el elenco secundario compuesto por hábiles y reconocidos actores como Glenn Close, Kyle Chandler y Andrew Scott totalmente desperdiciados. Los jóvenes McKenna Roberts y Rylan Jackson como los hijos de Matt y Emily son un cero a la izquierda pero al igual que los adultos no los culpo por lo pobremente definidos que están sus roles.

En cuanto al guion parece haber sido escrito con inteligencia artificial por su recopilación de clichés, agujeros narrativos y forzadas formas de hacer que la historia llegue a su blando desenlace. Un giro argumental al final del segundo acto termina no sorprendiendo a nadie, no por ser predecible sino por la total carencia de suspenso o de personajes interesantes en esta débil trama sobre la búsqueda de un "Mc-guffin" que aparentemente puede hacer lo que sea.

Creo que la única vez que casi me reí durante De Vuelta a la Acción fue en la escena final cuando se sugiere que habrá una secuela. Por si no quedó claro recomiendo evitar esta basura. Si son fanáticos obsesionados con Cameron Diaz tal vez la disfruten pero en su lugar recomendaría volver a ver mejores películas que hizo en el pasado (también disponibles en Netflix) como The Holiday o Charlie's Angels (una comedia de acción que de verdad divierte). No sean parte del problema como yo que ayudé a que esta película esté entre lo mas visto de Netflix y sea considerada un éxito.

Calificación: 4

Wallace y Gromit: La Venganza Se Sirve Con Plumas (Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl)

Sinopsis: El inventor Wallace crea un gnomo robot capaz de realizar todo tipo de tareas sin imaginar que un antiguo rival podría utilizarlo para vengarse. 

Reseña: Lo más común es que al oír sobre animación familiar uno piense primero en la realizada por computadora ya que hace casi 30 años (desde la precursora Toy Story allá por el año 1995) esta técnica revolucionó la industria y se volvió la principal generadora de ingresos en el entretenimiento infantil. Desde el principio, año tras año, las películas familiares animadas que lideran la taquilla son las producciones de Disney, Pixar, Dreamworks y demás empresas consolidadas en Hollywood. Y si bien uno podría pensar que todo aquel que quiera dedicarse al cine animado iría por el camino más fácil (y redituable) del realizado por ordenador, por suerte aun quedan artistas en el mundo interesados en revindicar herramientas tradicionales pero igualmente validas para contar historias ingeniosas y divertidas. La reconocida mundialmente productora inglesa Aardman Animation se dedica hace décadas a la realización de cortos y películas animadas mediante la técnica "stop-motion" (animación fotograma a fotograma) con personajes hechos de arcilla o plastilina sobre maquetas con un nivel artesanal virtuoso digno de admiración. 

Su ultima producción trae de regreso a sus personajes mas emblemáticos: El excéntrico inventor Wallace y su fiel compañero el perro Gromit. La historia de Wallace y Gromit: La Venganza Se Sirve Con Plumas (disponible en Netflix) comienza con la pareja teniendo que afrontar deudas ya que Wallace se la pasa inventando cosas para facilitarle su vida a él y a su perro en su casa. Y cuando inventa un robot muy inteligente útil para tareas del jardín y el hogar los vecinos le ofrecen dinero por contratar sus servicios. De esto se entera el pingüino Feathers McGraw desde la prisión en la que cumple condena hace años (luego de que la pareja protagónica frustrara su robo del gran diamante azul) y se las ingenia para manipular al gnomo mecánico y complicar las cosas. 

Wallace y Gromit: La Venganza Se Sirve Con Plumas hace uso del característico humor absurdo e ingenioso al que nos tiene acostumbrado el veterano Nick Park (esta vez co-guionista y co-director) realizador de las clásicas Chicken Run y Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit. A diferencia de las producciones yankis que se conforman con ruidosas secuencias de accion, chistes de golpes o referencias a la cultura pop, Wallace y Gromit: La Venganza Se Sirve Con Plumas maneja un estilo mucho más sutil, en el que las risas que nos genera provienen de las interacciones de los personajes, sus excentricidades... o de ver a un pingüino como un formidable criminal. Una vez más los realizadores de este estudio demuestran su excelencia logrando personajes vibrantes de gran expresividad con mínimos recursos. El pingüino Feathers McGraw con minúsculos ojos negros, sin diálogos y sin emitir sonidos logra generar las mejores risas de la pelicula. Lo mismo el ya conocido perro Gromit, sin boca pero con un amplio rango de expresiones digno de admiración. En cuanto al elenco debo aplaudir el impecable trabajo de Ben Whitehead en la difícil tarea de remplazar al fallecido Peter Sallis en el papel de Wallace. El parecido es casi perfecto y Whitehead ya es un experimentado actor de doblaje por lo que además su labor es destacable sin importar las comparaciones. Y lo mismo para el resto: Lauren Patel como la entusiasta nueva oficial de policía Mukherjee, Peter Kay como el inspector Mackintosh más preocupado en su retiro que resolver cualquier misterio que surge, y Reece Shearsmith como Norbot, la ultima creación de Wallace. Todos ofrecen un dedicado y simpático desempeño acorde a las excentricidades de los personajes. 

Además de ser una muy graciosa y entretenida comedia Wallace y Gromit: La Venganza Se Sirve Con Plumas ofrece profundas reflexiones sobre los desmedidos avances en tecnología (como la inteligencia artificial), la cada vez mayor dependencia que tenemos en cuanto a esta y las complicaciones que podría traernos en el futuro como también expresa una añoranza por la simplicidad de tiempos pasados.

Después de tantos elogios tengo que nombrar algunos aspectos de Wallace y Gromit: La Venganza Se Sirve Con Plumas que no me gustaron. La historia es bastante simple y creo que no suficiente para justificar ochenta minutos de duración de la película. Por eso creo que escenas y situaciones se estiran demasiado y por momentos la experiencia se vuelve algo cansada en la segunda mitad. También sentí algunos elementos algo forzados (como una de las soluciones al problema de los robots).

Pero esa quejas resultan menores en comparaciones de las grandes virtudes de Wallace y Gromit: La Venganza Se Sirve Con Plumas. Tal vez no sea tan memorable como las mencionadas Chicken Run y Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit pero sigue siendo una gran demostración de excelencia artística al servicio de contar una historia ingeniosa y divertida con personajes entrañables. Muy recomendada para toda la familia.

Calificación: 8.5

Anora

Sinopsis: La vida de Anora, una humilde bailarina desnudista, parece mejorar cuando comienza a salir con el hijo de un magnate ruso que se ha enamorado de ella.

Reseña: Podríamos decir que Anora es una versión realista de Pretty Woman ya que, a diferencia de aquella inocua comedia romántica de los noventa, retrata crudamente los problemas que pueden surgir cuando un millonario se relaciona con una mujer de una clase mucho mas baja que además es trabajadora sexual. El escritor y director Sean Baker no se limita a señalar malos y buenos sino, simplemente, a retratar los comportamientos de los personajes ya sea reaccionando a situaciones imprevistas o relacionándose con personas de otros estratos/ambitos. Desde luego el eje central de todas estas interacciones son los ya conocidos choques entre clases sociales o fricciones entre personas cuando el dinero esta entre sus principales motivaciones. Pero, lejos de incursionar en el tema con pesado moralismo, Baker expresa sus ideas con mucho humor y agilidad.

Vanya, un inmaduro y malcriado que disfruta la fortuna de sus padres, conoce a Anora en el bar de strippers y queda tan encantado con ella que comienza a pagarle primero para tener encuentros sexuales y luego para irse a las Vegas toda una semana en donde termina pidiéndole casamiento pues quiere obtener la "green card" y quedarse en Estados Unidos. Anora desde luego esta escéptica al principio pero acepta luego de ver lo mucho que podría mejorar su vida y se casan en Las Vegas. Esto enfurece a los padres de Vanya y envían a su padrino Toros a que viaje a América para encargarse de anular el matrimonio mientras ellos también se dirigen allí. No contaré mas, solo que, si bien la historia se desarrolla de manera mas o menos previsible y se estanca por demasiado tiempo en el segundo acto, lo que Baker esta interesado en retratar, como dije mas arriba, son las reacciones de los personajes y sus interacciones que funcionan como poderosas metáforas de la sociedad contemporánea. Tenemos a ricos irresponsables utilizando a pobres, a pobres maltratando a otros pobres, a pobres buscando encajar con ricos a pesar del desprecio que estos les tienen. 

La protagonista maneja complejos sentimientos, pues lo que al principio parece simple oportunismo luego parece genuino enamoramiento surgiendo quizás de la necesidad desesperada de cambiar su vida, y viendo en su pareja una posibilidad concreta. Y todo esto fantásticamente interpretado por Mikey Madisson en una de las mejores actuaciones del 2024, manejando un amplio rango de emociones con absoluta naturalidad y carisma. El resto del elenco a pesar de sus menos definidos roles, también cumplen con actuaciones vibrantes y apropiadas, empezando por Mark Eydelshteyn como Vanya, Karren Karagulian como el leal y comprensivo Toros, Daria Yekamásova y Alexéi Serebriakov como los antipáticos padres de Vanya. Vache Tovmasian como uno de los ayudantes de Toros creo es el que peor queda reducido a mero "comic-relief". Aunque el mejor del elenco secundario sin dudas es Yura Borisov como Igor, el otro secuas de Toros. Al principio su actuación es mas bien pasiva y su personaje parece totalmente unidimensional pero a medida que avanza la historia vamos conociendo mas sobre su carácter y su interacción con la protagonista es fenomenal. No porque sea un duelo de actuación, mas bien sus escenas compartidas son con pocos diálogos y mucho subtexto pero de enorme impacto emocional por todo lo que representan (como la devastadora escena final). 

Pero mas allá de las actuaciones o del mensaje que pretenda dar el director, Anora es una sencilla pero poderosa película que mezcla eficientemente el drama y la comedia, tomándose su tiempo para que afloren diferentes aspectos de los personajes de manera orgánica, con ágil edición y excelente selección de canciones. Si tiene una falla es que el segundo acto se siente muy repetitivo y monótono, con situaciones que se alargan demasiado demorando el desarrollo de la historia. A fin de cuentas, recomiendo Anora para los que quieran ver una comedia dramática que invita a pensar alejándose de los convencionalismos del cine comercial a la vez que logra generarnos diversas y potentes sensaciones. Tal vez podría haberlo hecho con mas dinamismo o ingenio (como logró la coreana Parasite) pero aún así el resultado final sigue siendo sobresaliente.

Calificación: 9